10 Bollywood-Dramen, die Sie in Ihrem Leben sehen sollten

Dieses Mal listen wir die zeitlosen Dramen auf – die Quintessenz der Bollywood-Genres, für die Inder ein Trottel sind.

Werfen Sie einen Blick auf unsere Auswahl der zehn besten Bollywood-Dramen.

Bollywood ist gut darin, Dramen zu produzieren, die das westliche Publikum routinemäßig nicht ansieht. Sogar viele innerhalb Indiens, insbesondere die jungen Leute, die vom jüngsten Export des Weltkinos abgewöhnt sind, sind dem Wort „Drama“ gegenüber misstrauisch geworden käsig. Nach dieser Logik würde sogar Shakespeare heute kitschig klingen. Der Autor und Bardenexperte Jonathan Gil Harris sagt gerne, wenn Shakespeare heute noch am Leben wäre, würde er für Bollywood schreiben. In einem Essay für The Hindu zieht Harris eine Verbindung zwischen dem Masala-Schreibstil des Barden mit seinen dramatischen Wendungen und Tragödien, gefolgt von Komödien und Bollywoods Masala-Filmen mit ihren eigenen besonderen Zutaten von Drama, Humor, Emotionen und all dem Würzigen Verzierungen, die das Hindi-Kino sowohl von den anderen westlichen Gegenstücken unterscheiden als auch viel verspottet werden. In Bollywood gibt es auch die historische Tendenz, Drama in Melodram zu verwandeln. Aber wenn es funktioniert, wirkt es Wunder. Mutter Indien, die einen Platz in unserer Liste der 10 Dramen findet, die Sie sich zu Lebzeiten ansehen sollten, ist ein leuchtendes Beispiel für die Art von kitschigem Melodram, das Inder bestimmter Vintages liebten und immer noch tun. Hier ist eine leidgeprüfte, gewöhnliche Dorffrau, die von Nargis (erstaunlicherweise war sie alle 28 Jahre alt) mit meisterhafter Naturgewalt gespielt wurde Indische Frau.

Ob Sie es regressiv oder progressiv, relevant oder überflüssig finden, Mother India ist die Mutter aller Melodramen. 1957 entstanden, 1939 das eigene Hindi-Kino, Mehboob Khans Weepie-Stars Nargis, Raaj Kumar, Sunil Dutt und Rajendra Kumar. 1957 war das goldene Zeitalter, wenn es jemals eines gab. Der Annus Mirabilis hat viele Trends eingeläutet. Es hat uns Lieder, Dialoge, Stars, Momente und Erinnerungen geschenkt, die uns immer noch verfolgen. Zum Beispiel war es 1957 die Tumsa Nahin Dekha, die Shammi Kapoor vor einem qualvollen Status rettete, den ein Kapoor einer späteren Generation wie Rajiv Kapoor ertragen musste. Im selben Jahr machte V. Shantaram seinen reformistischen Klassiker Do Aakhen Barah Haath, Dilip Kumar testete (und perfektionierte) sein Bhojpuri in Naya Daur, Dev Anand hatte zwei dauerhafte Musikhits in Paying Guest und Nau Do Gyarah und wer kann Guru Dutts Pyaasa . vergessen? , aus dessen poetischem Pessimismus eine ganze Generation von Filmemachern ihren kreativen Durst gestillt hat? Fragen Sie Shyam Benegal, Anurag Kashyap, Sudhir Mishra oder Imtiaz Ali. Philip French vom Guardian, ein legendärer Kritiker, bezeichnete Mother India als die unerbittlich optimistischen Traktor-Musicals des sowjetischen Kinos, die Stalin so sehr bewunderte. Kein Wunder, dass sich Stars der Nehruv-Ära wie Nargis und Raj Kapoor in Sowjetrussland großer Beliebtheit erfreuten.

Wenn Mutter Indien uns die Matriarchin gab, deren starke Bilder später die gesamte Karriere von Salim-Javed beeinflussen würden (insbesondere Deewaar, bei der Nirupa Roy schließlich ihren von Amitabh Bachchan gespielten Sohn Vijay erschießt, hat Schattierungen von Mutter Indien), Mughal-E -Azam (1960) beschwor die patriarchalische Personifizierung herauf, mit Prithviraj Kapoor als mächtiger Vaterfigur, die davon besessen war, die Zwillingsschicksale seines verliebten Sohnes (Dilip Kumar als Prinz Salim) und des Mogul-Königreichs Hindustan zu kontrollieren. Der Vergleich ist vielleicht nicht fair, aber es lohnt sich auf faszinierende Weise, eine Parallele zu ziehen. Mother India erforscht die gequälte Beziehung zwischen Mutter und Sohn, während Mughal-E-Azam eine schwierige Vater-Sohn-Geschichte erzählt. Beide Galionsfiguren in den beiden Filmen, nämlich Nargis und Prithviraj Kapoor, durchleben ein moralisches Dilemma, hin- und hergerissen zwischen größeren sozialen/nationalen Pflichten und persönlichen Konflikten als Eltern. Nargis als verarmte Dorfmutter und Prithviraj Kapoor als Imperator Akbar repräsentieren die oberste und unterste Ebene der Gesellschaft und obwohl sie auf ihre eigene Weise vergöttert sind, werden sich die beiden niemals treffen. Und wenn doch, wie im Fall der armen Mutter von Anarkali, die um das Leben ihrer Tochter bettelt, ist die Kluft so groß, dass sie nicht einfach unüberbrückbar, sondern unmöglich ist. Mother India gehört zum Genre der Familiensaga, während Mughal-E-Azam historisch ist. Beides sind Dramen und dazwischen liegt die Geschichte des Hindi-Kinos. Es ist nicht falsch zu sagen, dass das, was Mainstream Bollywood über Melodram weiß, ein Erbe, das noch heute verfolgt wird, aus diesen beiden Filmen bekannt ist. Ab den 1960er Jahren haben wir auch Vijay Anands Guide aufgenommen, der auf dem Roman von RK Narayan basiert. Natürlich gibt es Sholay. Es ist kein Zwang oder Gruppenzwang, der uns dazu zwingt, diesen Curry-Western aufzulisten. Es ist Indiens beliebtester Blockbuster. Aber genauso einfach ein Geschenk, das nie aufhört zu geben. Der Ausschluss von Klassikern wie Bandini, Devdas, Do Aankhen Barah Haath, Kaagaz Ke Phool und Deewaar ist reine Funktion der Kürze und eine schmerzhaft harte Entscheidung.

Zusammen beweisen die folgenden Filme Bollywoods Vorliebe für Dramen. Es ist ein Talent, das wir jahrzehntelang trainiert haben, angefangen beim Parsi-Theater. Es geht noch weiter in der Zeit zurück. Wenn ein Prozent des Hindi-Kinos von Shakespeare inspiriert ist, sind 99 Prozent unserer Einflüsse Mahabharata, Ramayana und unsere anderen alten Texte. Die Natyashastra definiert Rasa und Bhava als zentrale Elemente der indischen Ästhetik und Bollywood verwendet auch heute noch alle Emotionen, die in diesem großartigen Drama-Handbuch beschrieben sind. Ob es Bollywood gelungen ist, das Drama zu einer sinnvollen Technik zu entwickeln, sollte am besten dem Publikum überlassen werden.

recycelbare Musikinstrumente

In den meisten Fällen ist Drama das große Bollywood-Genre, das unsere Faszination weiterhin bewahrt und uns als Gogol-ähnlicher Mantelmoment dient. Die unten aufgeführten Filme sind der Schlüssel zu unserem Verständnis nicht nur des Dramas, sondern des Hindi-Kinos als Ganzes. Einige von Ihnen haben vielleicht Ihre eigenen, persönlichen Interpretationen dieser Filme, und es wird eine Freude sein, von Ihnen zu hören. Genießen Sie vorerst die Filme, besuchen Sie sie noch einmal und probieren Sie es aus. Einige von ihnen mögen veraltet oder ungeschickt erscheinen, erinnern sich aber daran, dass sie zu ihrer Zeit einflussreich waren. Viele, das können wir bestätigen, sind gut gealtert und das zeichnet jeden echten Klassiker aus.

Die Zeit ist, wie sie sagen, ein guter Anhaltspunkt dafür, ob ein Kunstwerk großartig ist oder nicht. Tatsächlich haben sich Mughal-E-Azam, Guide, Shree 420 und viele andere bewährt.

Müssen wir noch mehr sagen?

Salaam-Bombay! (1988)

‘Mere sapnon ki randi kab aayegi tu’ – Chillum

Anita Kanwar in Salaam Bombay. (Express-Archivfoto)

Vor Satya und Slumdog Millionaire gab es Salaam Bombay! Mira Nair hat Pather Panchali von Satyajit Ray als wichtigen Einfluss auf ihre Entscheidung, Filmemacherin zu werden, erwähnt, und Sie können sehen, warum. Mit echten Straßenkindern in der Hauptrolle mit Raghubir Yadav und Nana Patekar, Salaam Bombay! strotzt nur so vor dokumentarisch inspirierter Authentizität und einem Ohr fürs Geschichtenerzählen. Kinder sind formbar, sagt man. Nair formt sie in die federnde Kraft des Films. Chai Pau (Shafiq Sayed) ist ein Teeverkäufer, dessen Verbindung mit dem Drogensüchtigen Chillum (Raghubir Yadav) wie eine Bromance auf Bombays Straßen erforscht wird. Bei Namen wie Chai Pau und Chillum wissen Sie, wo sie hingehören: zu den Niedrigsten der Niedrigen. Ihnen gehört ein Bombay von Zuhältern und Prostituierten. Die lustige Idee von Baba (Nana Patekar) besteht darin, seine Tochter Manju vom Balkon baumeln zu lassen. Das Schicksal des Kleinen hängt sowieso in der Schwebe. Manjus Mutter Rekha (Anita Kanwar) ist eine Sexarbeiterin, die sie vom Beruf fernhalten will. Sie hat jedoch ihr Schicksal akzeptiert. Doch Sola Saal, die Junge im Block, träumt von einem Fluchtweg. Das Ende ist so Bombay, wie es nur geht (viele spätere Bombay-Filme, darunter Satya, haben ein Blatt aus ihm herausgenommen) – der Ganesh Visarjan, eine Jahreszeit, in der die Stadt in Horden herauskommt, um sich vom elefantenköpfigen König zu verabschieden. Die Welt von Salaam Bombay! ist beunruhigend dreckig. Aber selbst als Nairs Kamera an die dunkelsten Orte fährt, die man sich vorstellen kann, finden Rekha, Chai Pau und Manju (in einem Bande-à-Part-Moment) in Bollywood einen Hauch von Hoffnung, während sie versuchen, ihre Ängste zur Melodie von 'Mera naam chin . abzuschütteln chin chu.'

Arth (1982)

‘Ek din tumhi ne kaha tha Raj, ‘Pooja tum apne mein armi ho’ – Pooja

Shabana Azmi und Kulbhushan Kharbanda in Arth. (Express-Archivfoto)

The Mahesh Bhatt of Arth ist ein ganz anderer Mahesh Bhatt als der Traumweber der 90er Jahre, der Spinner luftiger Blockbuster-Romanzen und melodiöser T-Series/Super Cassettes-Tracks. Kritiker ordnen Arth gerne in Bhatts bedeutungsvolle Kinophase ein. Seine Affäre mit Parveen Babi ist gut dokumentiert und Arth ist die erste und unverdünnte der von Babi inspirierten Bhatt-Heimindustrie. Wir wissen, dass Arths Kulbhushan Kharbanda eine Version des Filmemachers Bhatt ist. Der Film ist ein realer Bericht über die zerfallende Ehe des Regisseurs, als er eine selbstzerstörerische Affäre mit einem Filmstar beginnt. Die Schauspielerin hier wird von Smita Patil gespielt. Shabana Azmi (Pooja) ist die leidende Ehefrau. In einer frühen Szene träumt Pooja davon, ein Kind zu bekommen. Im nächsten Moment äußert Kavita Sanyal (Smita Patil) denselben Wunsch. Es ist erschreckend, diese Intuition zwischen Pooja und Kavita. Inder (Kharbanda) ist hin- und hergerissen zwischen der Liebe dieser Frauen, die sowohl verletzlich als auch bedürftig sind. Bhatt spielt mit der Intuition, Heimlichkeit und Angst, die Untreue weckt. Zum Beispiel der Anruf, den Inder immer wieder fürchtet. Die Geschichte der Magd, deren betrügerischer Ehemann sie verprügelt, läuft parallel, als wollte uns der Regisseur wissen lassen, dass Frauen überall gleichermaßen Gewalt durch Männer erleiden. Deshalb ist es befreiend zu sehen, wie Pooja am Ende die Bedeutung von sich selbst findet, da sie Rajs (Raj Kiran) Liebe zurückweist. Braucht sie keinen Mann mehr in ihrem Leben? Es ist interessant festzustellen, dass Bhumikas (1977) Usha, gespielt von Smita Patil, genauso explosiv und verletzlich ist wie Kavita. Auf der Suche nach Liebe und Geborgenheit von einem Mann zum anderen geworfen, beinhaltet auch das Ende von Bhumika die Ablehnung eines wohlmeinenden Mannes, der eine weiche Ecke für sie hat. Trotz allem, was sie durchgemacht hat, misstraut sie Männern nicht, weiß aber, dass sie verraten wird. Freiheit, Einsamkeit, Verrat, Untreue, die andere Frau, Selbstzerstörung, Alkoholismus, Waisenhäuser (Pooja wächst in einem Waisenhaus auf, ein entscheidendes Detail, das sie mit Bhatts Frau teilt), eine Frau mit Vaterproblemen und ihrem Bedürfnis nach einem Mann ( wen sie nach dem Bild ihres Vaters umgestalten kann) als eine Form der Sicherheit… all diese typischen bhattobiographischen Elemente wurden zuerst in Arth auf die Probe gestellt. Es ist ein Film, an den sich Bhatt erinnern wird. Und das liegt zum Teil daran, dass er seinen besten Film über seine ultimative Affäre mit UG Krishnamurti noch nicht drehen muss.

Amar Akbar Anthony (1977)

‘Aisa to aadmi life mein doich time bhaagta hai. Olympisches Ka-Rennen ho, yaa Polizei ka-Fall ho' – Anthony Gonsalves

Rishi Kapoor in Amar Akbar Anthony. (Express-Archivfoto)

Bollywood-Hits der 1970er Jahre gab es in allen Formen und Größen. Aber die besten hatten eine Gemeinsamkeit. Mit Gesang und Tanz, komischen Nebenhandlungen, Action-Momenten und Emotionen hatten sie die richtige Dosis Masala. Im Fall von Amar Akbar Anthony gab es eine zusätzliche Zutat, die man als Manmohan Desai-Tagesspecial bezeichnen kann – verloren und gefunden. Drei Brüder, die in der Kindheit getrennt wurden, wachsen als Hindu, Muslim und Christ auf und werden in einem wundersamen Höhepunkt wieder vereint. Das Jahr 1977 war politisch turbulent, da Indira Gandhi 1975 den Notstand ausgerufen hatte. Und hier war ein Film, der dem Publikum eine Atempause von der harten Realität verschaffen wollte. Es spielt die größten Namen seiner Ära. Amitabh Bachchan, der den liebenswerten Schmuggler Anthony spielt, war in seiner Blütezeit und bekommt die vom Autor unterstützte Rolle, aber nicht die Spitzenposition. Denn der Film gehört ebenso zu Vinod Khannas würdevollem Amar, Rishi Kapoors schelmischem Akbar, den Frauen (Parveen Babi, Shabana Azmi und Neetu Singh), Pran als verwestlichter Herr, der zufällig der verlorene Vater der verlassenen Kinder und des unnachahmlichen Jeevan ist. Diejenigen, die in Bombay leben, werden in den von Anthony gesprochenen Bombaiyya-Patois eine besondere Resonanz finden. AAA ist ein sehr Bombay (sogar Bandra) Film, der bis ins Mark kosmopolitisch ist, ohne Rednerpulte.

Sholay (1975)

‘Kitne aadmi the’ – Gabbar Singh

Hema Malini, Amjad Khan, Dharmendra, Amitabh Bachchan, Sanjeev Kumar und Jaya Bachchan im Poster von Sholay. (Express-Archivfoto)

Viele halten Amar Akbar Anthony manchmal für eine Salim-Javed-Kreation. Wir können es ihnen nicht verdenken, weil die zweiköpfigen Schriftsteller in den 1970er Jahren fast allgegenwärtig waren. Aber niemand kann Sholay als Film eines anderen Autors verwechseln. Es trägt den SJ-Stempel, so wie ein Maler ein Gemälde mit seiner Unterschrift verewigt. Sholay ist mehr als nur ein Film, sondern ein Mythos und vielleicht erklärt das seine universelle Anziehungskraft in einer Nation, die Mythen verehrt. Vor der Kulisse des Spaghetti-Westerns, einer mysteriösen Alchemie von Sergio Leone mit indischem Banditentum, vertonen Salim-Javed und Regisseur Ramesh Sippy die ultimative Bromance zwischen Amitabh Bachchans Jai und Dharmendras Veeru. Javed Akhtar hat gesagt, dass uns kein anderer Film in der Geschichte so viele unvergessliche Charaktere gegeben hat wie Sholay. Beschuldigen Sie ihn der Unbescheidenheit, aber er ist genau richtig. Selbst kleine Spieler wie Sambha, Kalia, Mausi, Soorma Bhopali, Jailor, Rahim Chacha und die Stute Dhanno haben die Unsterblichkeit der Popkultur erreicht. Über ihnen allen thront Gabbar Singh, der unbesiegbare Superschurke, der schließlich von dem rachsüchtigen Veeru geschnappt und dem gliederlosen Thakur übergeben wird, der ihn fast zu Tode schmettert, bevor die Polizei näher kommt. Machen Sie sich keine Sorgen um Spoilerwarnungen. Die kinofressenden und atmenden Indianer kennen Sholay wie ein Lehrbuch. Wir alle wissen, dass Veeru Jai aufgrund einer falschen Drehung der Münze verliert und nachdem Gabbar weg ist, ist an der Westfront wieder alles ruhig. Da stellt sich die Frage: Wer füllt die Luft mit der eindringlichen Morricone-Mundharmonika in Ramgarh?

Führer (1965)

‘Sirf Haupthoon’ – Raju

Waheeda Rehman und Dev Anand im Guide. (Express-Archivfoto)

Was wäre das Hindi-Kino ohne Guide? Naseeruddin Shah hat ihn als den größten Bollywood-Film aller Zeiten bezeichnet. Shah und mehrere Hindi-Filmemacher, die von Regisseur Vijay Anand inspiriert wurden, wissen, dass sie eine Tradition bewahren müssen und ein Großteil dieser Tradition kommt von Guide. Anands unverwechselbarer Stil des Filmemachens legte den Schwerpunkt auf kommerziell ansprechende Inhalte und einprägsame Songs und die geniale Art und Weise, wie er sie gedreht hat, hält ihn auch heute noch aktuell. Für Guide wandten sich die Anand-Brüder dem berühmten Roman The Guide von R.K. Narayan zu. Die Eröffnungsmontage sagt alles. Als Raju (ein perfekt aufgebauschter Dev Anand) aus dem Gefängnis entlassen wird, beginnt er ein neues Leben, von dem niemand weiß, dass es diesen kleinen Stricher zu falscher Heiligkeit führen wird. Vijay Anand fängt seinen Starbruder ein, der desolat auf schwierigem Gelände geht. Während Shailendras ironische Texte („Dard pe tere koi na tadpa/Aankh kisi ki na royi“) spielen, was leicht zu den besten Meisterwerken von S.D. Burman gehört, verweilt die Kamera bei einem sich küssenden Paar. Ein schäbiger Raju, müde von den Meilen, die er zurückgelegt hat (Gulzars „Kitne kaale kos chale“ wird hier nicht fehl am Platz sein), ruht seine Füße unter der Parkbank. Und wir haben noch nicht über Rosie (Waheeda Rehman), den ursprünglichen Badass des Hindi-Kinos, gesprochen. Sie hinterfragt die Stereotypen dessen, was wir von einer Hindi-Kinoheldin erwarten. Sie verlässt ihren Mann, um eine Affäre mit Raju zu haben und lässt ihn später wie eine heiße Kartoffel fallen. Ihr einziges wahres Engagement gilt dem Tanz. Vijay Anands Lieder verleihen Guide eine psychologische Dimension und funktionieren wie die Gedankenblasen der Charaktere. Waheedas Tänze sind so reich und dicht, dass sie einen eigenen Film verdienen.

Mogul-E-Azam (1960)

‘Mohabbat humne maana zindagi barbad kar deti hai/yeh kya kam hai ki marr jaane pe duniya yaad karti hai’ – Anarkali

Madhubala und Dilip Kumar in Mughal-e-Azam. (Express-Archivfoto)

Was soll man über Mughal-E-Azam sagen, was noch nicht gesagt wurde? Es ist Jahrzehnte her, seit K Asifs Liebeswerk zum ersten Mal veröffentlicht wurde, und das Kinopublikum hat seine persönliche Verbindung zu diesem kulturellen Prüfstein nicht verloren. Es ist ein Teil unseres Erbes wie jede große Folklore. Durch die lange Linse der Geschichte betrachtet, ist der Film jedoch mehr Fantasie als Geschichte. Gab es Anarkali? Manche sagen, ihr Grab liege in Pakistan. Der Film ist im Wesentlichen die Geschichte dieser Sklavin (Madhubala als Anarkali), die sich in den Mogul-Erben Prinz Salim (einen wunderbar poetischen und zurückhaltenden Dilip Kumar) verliebt. Autoritärer Akbar (Prithviraj Kapoor, der seinen Thespian-Status vollständig rechtfertigt) wendet sich an. Er ist nicht gegen die Liebe, sondern nur ein Sklave seiner Ideale, wie er Anarkali erklärt. Die unheilvollen Hinweise auf das Schicksal des mondgesichtigen Anarkali werden schon früh in der grandiosen Naushad-Komposition Teri mehfil mein qismat, einem Duett der beiden Großen Lata Mangeshkar und Shamshad Begum, dargelegt. Dies ist ein Musical, das alle Musicals schlägt. In Mughal-E-Azam erreicht Bollywood seine ultimative Apotheose.

Mutter Indien (1957)

‘Main ek aurat hoon. Hauptbeta de sakti hoon, laaj nahi de sakti’ – Radha

Nargis in einem Standbild von Mother India. (Express-Archivfoto)

Wenn die 1950er Jahre das goldene Zeitalter des Hindi-Kinos sind, ist 1957 die schönste Stunde des goldenen Zeitalters. Ein Remake seines früheren Films Aurat, Mehboob Khans Mother India, wird in einer Rückblende erzählt. Es ist die Geschichte von Radha (Nargis) in einer Art landwirtschaftlicher sozialer Realität nach der Unabhängigkeit, die Gandhi – dem Vorkämpfer des Dorflebens – unbehaglich gemacht hätte. Dies ist nicht das ländliche Indien von Bapus Traum. Es ist eine Welt, die von skrupellosen Geldverleihern, sozialer Unterdrückung und Armut bevölkert ist. Und Nargis, die ultimative Mutterfigur des Hindi-Kinos, zieht den Pflug durch die unebenen Felder. Sie kanalisiert abwechselnd ihre innere Sita und Durga. Als sich ihr eigensinniger Sohn (Sunil Dutt) am Ende weigert, wieder auf die Spur zu kommen, erschießt sie ihn und macht sofort klar, auf welcher Seite des Zauns sie steht. Die Ehre einer Frau über die blinde Liebe zu ihrem Sohn jeden Tag für sie. Der Höhepunkt von Yash Chopras Deewaar ist ein offensichtlicher Nachkomme dieses berühmten Endes. Und das ist nur eine von vielen Möglichkeiten, mit denen Mutter Indien spätere Hindi-Filme mit Futter versorgt hat.

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Pyaasa (1957)

‘Tumbari hai tum hi sambhalo yeh duniya’ – Vijay

Waheeda Rehman und Guru Dutt in Pyaasa. (Express-Archivfoto)

Guru Dutts selbstzerstörerisches Meisterwerk, Pyaasa, hat den Goldstandard für das Genre 'Schwelen in Selbstelend' gesetzt. Es zeigt mit dem Finger auf das dunkle Unglück von Beziehungen und der modernen Welt. Mit seinem christusähnlichen Leiden lässt sich das Angstgeheul des abgelehnten Dichters Vijay – ironischer Name für jemanden, der als soziale Katastrophe wahrgenommen wird – am besten in Yeh duniya agar mil bhi jaaye toh kya hai einfangen. Alles, was Vijay zum Trost hat, ist seine Poesie und die einzige Person, die sie schätzt. Das ist Gulabo, die Nutte mit Herz. Waheeda Rehman jagt jedes Mal einen lustvollen Schauer über den Rücken, wenn sie als herzzerreißend attraktive Gulabo auf dem Bildschirm erscheint. Es ist schwer, Gulabo und ihrer heimlichen Liebe zu ihrem missverstandenen Vijay Babu, dessen Gedichte sie sich weigert, um jeden Preis zu verkaufen, keine Zuneigung entgegenzubringen. Es ist erfrischend zu sehen, wie Guru Dutts regelmäßiger Johnny Walker ab und zu mit seiner komischen Nebenhandlung das Herz der Dunkelheit durchbohrt. Wie jedes Mal wird seine Treue zur Dutt-Dev Anand-Schule mit einem denkwürdigen Song belohnt. Diesmal mit der Champi-Hymne Sar jo tera chakraye. Man fragt sich oft, wem Pyaasa eigentlich gehört – seinem Macher Guru Dutt oder dem Wortschmied Sahir Ludhianvi, der dem Film seine grüblerische poetische Tiefe verleiht. Beide waren gequälte, selbstzerstörerische Seelen, die sich in der zynischen Welt draußen unwohl fühlten. Es ist möglich, dass ihre Kombination aus Menschenfeindlichkeit und Nihilismus Pyaasa zum Picasso des Pessimismus gemacht hat. Noch nie war Trauer so süß und süchtig machend.

Shree 420 (1955)

‘Main na rahoongi, tum na rahoge/ Phir bhi rahengi nishaaniyaan’ – Vidya

Nargis und Raj Kapoor in Shree 420. (Express-Archivfoto)

War Awaara eine Generalprobe für Raj Kapoors Tramp, verwandelt sich der Schausteller in Shree 420 in eine perfekte indische Version des chaplinesken kleinen Mannes. Da es die nehruvianische Vorstellung von Optimismus und Unschuld nach der Unabhängigkeit einfängt, kann Shree 420 als ein Film angesehen werden, der Raj Kapoor zu dem gemacht hat, was er ist. Der linke Traum des Schriftstellers KA Abbas ist unverkennbar, den Raj Kapoor mit kitschigem Melodram würzt. RKs populistische Note zu Abbas’ Realismus, Shree 420 ist eine moralische Fabel, die meistens funktioniert. Shankar-Jaikishans immergrüne Lieder, die zu den Gedichten von Shailendra und Hasrat Jaipuri komponiert wurden, sind immer noch in ganz Indien im Radio. Verweilen Sie jetzt einen Moment bei den Namen der Charaktere – Raj (Kapoor) ist ein Trickbetrüger, Maya (Nadira) ist die vampische Illusion, Vidya (Nargis) ist das Gewissen und Sonach und die korrupten Geldsäcke. Die Stadt wird zu einem Ort der Korruption und Ausschweifung, aber keine Sorge, der Tramp wird, obwohl er kurzzeitig unter dem magischen Zauber der Maya steht, nichts von seiner Unschuld verlieren. Obwohl Maya den frechen Mudd mudd ke na dekh einsetzt, um Raj zu locken, sticht er nicht in sein sozialistisches Herz. Kapoor liefert im Höhepunkt ein mitreißendes Spiel, dessen Vision und Worte wie direkt aus dem IPTA-Notizbuch von KA Abbas klingen. Dennoch ist Shree 420 ein sehr Raj Kapoor-Film. Wie George Bailey in A Wonderful Life wäre die Welt von RK eine ganz andere gewesen, wenn Shree 420 nicht geboren worden wäre. PS: Welche Melodie fällt dir ein, wenn du an „Bollywood“ denkst? Für diesen Autor ist es die charakteristische Melodie von Pyaar hua iqraar hua hai.)

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Do Bigha Zamin (1953)

‘Ab toh jaana hallo padega Paro. Ladka ho ya ladki, usse bada hoke yeh na dekhna pade ke uska baap raaste ka ek bikhari hai' – Shambhu an seine schwangere Frau

Balraj Sahni in Do Bigha Zameen. (Express-Archivfoto)

Bimal Roys neorealistischer Klassiker teilt einen verwandten Geist mit Mehboob Khans Mother India, entfacht aber Bicycle Thieves. Auf andere Weise ist es fast wie eine eindringliche Tolstoi-Kurzgeschichte voller Menschlichkeit und einem ironischen Schockende. Shambhu (Balraj Sahni) ist ein verschuldeter Bauer, der aufgrund steigender Zahlungsrückstände gezwungen ist, in die Stadt zu ziehen. Als er eine Handvoll Erde von seinem eigenen Land pflückt, wird er beschuldigt, sie gestohlen zu haben! Abgesehen von einer tränenreichen Handlung ist dieser Film ein Denkmal für Balraj Sahnis zurückhaltendes Melodram. Ist es überhaupt möglich, so naturalistisch und zurückhaltend wie er zu sein und trotzdem die notwendige dramatische Ausstrahlung zu haben? Sahni war ein hochgebildeter und von der BBC zurückgekehrter Anglophiler und ein Großstadtflitzer, schaffte es aber, den Puls eines armen Bauern richtig zu machen. Sahni hat mit diesem Methodenexperiment die Schauspielerei Bollywoods neu definiert. Auch jetzt noch viel bewundert, ist es ermutigend zu sehen, dass Aamir Khan und Amitabh Bachchan Sahni als Einfluss anführen. Ein weiterer Höhepunkt von Sahni ist das Kabuliwala von 1961, in dem er in die Rolle eines afghanischen Trockenobstverkäufers schlüpft. Einige von Ihnen haben vielleicht das Lied Aye meri zohrajabeen bei gesellschaftlichen Veranstaltungen gehört, einem Grundnahrungsmittel für Familientreffen, das darauf abzielt, die Oldtimer ans Mikrofon zu bringen. Wir stellen gerne klar, dass es nicht auf Amrish Puri gedreht wurde. Es ist der gute alte Balraj Sahni.